O segredo cont./Lingua portuguesa pesquisa/Aleksandr Sokúrov cineasta,/Teatros

Livro de Bob Proctor-USA
Canadiano,
"O segredo é aquilo em que nos tornamos depois de o pensarmos,aplica-se a todas as areas da nossa vida".Fez mais pela industria do desenvolvimento pessoal,que qualquer outra coisa nos ultimos 40 anos.A informação não é nova mas é valiosa.O livro é sobre o pensamento positivo,
devemos colocar-nos numa vibração que nos traga o que de bom realmente queremos.Rezo sempre,a vida é uma oração,Rrezar é o movimento que acontece entre o espirito e forma-se atravéz da matéria.O desenvolvimento económico é uma realidade,pela lei da vibração tudo se transforma,ou vamos numa direcção ou vamos noutra,nada permanece,a maré vai e vem,tudo é ciclico,o crescimento espiritual é o unico que ascende,está sempre a mover-nos para uma expansão e para uma tomada de consciência ilimitada,isso é o mais importante,poupa vidas.
O segredo é uma verdade milenar que muitos lideres da humanidade conheceram,Aa lei da atracção capaz de fazer qualquer coisa pela acção do pensamento,basta dezejar algo de forma incondicional,descondicionar os pensamentos e nunca desistir,a chamada fé inabalavél,a busca pode não ser correspondida,por forma a recondicionar o dezejo,tornando-o melhor do que era,ou porque simplesmente não foi dezejado com vontade suficiente.
Há uma linhagem de pensadores positivos,começou com Andrew Carnegie,depois Napoleon Hill,Earl Nightingale,

Lingua Portuguesa-Academia das Ciências de lisboa
http://www.instituto-camoes.pt/cvc/ciencia/e31.html
Instituto Camões
http://www.portaldalinguaportuguesa.org/
tirar dúvidas de português
"Hoje se alguem tem jeito para a escrita quer logo ser escritor,isto de ser escritor é um dom que exige muita maturidade" "Quando era estudante tinha pouco dinheiro ia para as bibliotecas ler,não tinha possibilidade de comprar livros,só depois da minha licenciatura ao comecar a dar aulas é que consegui começar a comprar os primeiros livros,fui adquirindo parte do que tinha lido nas bibliotecas e que me tinha impressionado"Prof.João Malaca Casteleiro (Acordo ortográfico)
"Tenho autores de referencia os clássicos,os românticos,os neo-realistas,os surreialistas.
Literaturas estrangeiras:Francês:Balzac,Victor Hugo,Stendhall,Baudelaire,Verlaine,Rimbaud.
A comunicação internacional faz-se hoje em inglês.Gosto de literatura Espanhola."Em tudo na vida temos que olhar para os prós e contras."

Conseguirás o que quizeres se te mantiveres com a cabeça fria e agires mais com a cabeça do que com o coração" Tv filme EUA


Aleksandr Sokúrov, crítico do poder
17/06/2003
Neusa Barbosa
Foto de Ana Vidotti
Um dos mais importantes cineastas europeus da atualidade, o russo Aleksandr Sokúrov nasceu em 1951, na cidade de Podorvikha, na Sibéria. Filho de um oficial do Exército e veterano da II Guerra Mundial, em sua infância e juventude Sokúrov viveu em diferentes lugares, dentro e fora do país. Morando em Gorki, entra para a faculdade de história e começa a trabalhar na emissora local de televisão, como assistente técnico e depois assistente de produção. Foi na televisão que adquiriu uma consistente experiência audiovisual, aí produzindo vários filmes e shows.
Em 1975, diplomado em história, entra para o Departamento de Produção do All-Union Cinematography Institute (VGIK) de Moscou. Por ser ótimo aluno, ganha uma bolsa de estudos, mas enfrenta problemas com a direção da escola. Seus filmes foram considerados "formalistas" e "anti-soviéticos" pela burocracia. O primeiro deles, A Voz Solitária do Homem (1978) chegou a ser rejeitado como trabalho de graduação na faculdade. Mais tarde, porém, o mesmo filme despertou a admiração de Andrei Tarkovsky, o consagrado diretor de O Sacrifício (1986), Nostalgia (1982) e Solaris (1972). Tarkovsky, que morreu em 1986, foi um importante aliado do jovem colega, apoiando-o de modo a conseguir um emprego nos estúdios Lenfilm, onde acabou realizando boa parte de seus trabalhos iniciais.
Depois da abertura do regime russo, com a perestroika de Mikhail Gorbachev, os trabalhos de Sokúrov circulam com mais liberdade, dentro e fora de seu país. A partir daí, ele adquire conceito e prêmios internacionais.
No Brasil, ele começou a ficar conhecido por seus trabalhos mais recentes, como Moloch - Eva Braun e Adolf Hitler na Intimidade (1999) - prêmio de melhor roteiro no Festival de Cannes daquele ano e um de seus poucos filmes exibidos comercialmente no país. É a primeira parte de uma projetada tetralogia sobre homens poderosos, que teve seqüência em Taurus (2001), onde é focalizado o líder da Revolução Russa, Vladimir Lênin.
Nestes dois filmes, é possível identificar a visão ácida que Sokúrov tem do poder. Exercitando sua formação de historiador, o cineasta desmistifica tanto Hitler quanto Lênin, mostrando os dois todo-poderosos em situações de isolamento e despojamento gradual de tudo o que os tornava temíveis aos olhos dos outros. Em Moloch..., Hitler (interpretado por Leonid Mozgovoy) está refugiado em seu bunker, em 1942, cercado por sua entourage mais íntima: a amante Eva Braun e seus fiéis oficiais, Joseph Goebbels e Martin Borman. Nesse castelo aprazível, em meio a fartos jantares, o mais alto círculo do poder nazista coloca-se a salvo das más notícias que chegam do front. Mas já está acelerado o princípio de seu fim. Hitler, aliás, também é o objeto de estudo de outro filme do cineasta russo, Sonata para Hitler (1979), documentário que traça paralelos entre a história alemã e a russa.
Na obra de Sokúrov, destaca-se um grande número de documentários - ele fez mais de 20, incluindo-se no gênero também a sua série de Elegias. O cineasta, porém, tempera este olho de documentarista-historiador com um exercício da linguagem, que é uma de suas principais preocupações como artista, e lhe permite instilar as imagens de uma emoção nem sempre comum neste gênero. Esta originalidade de Sokúrov pode ser vista, por exemplo, em filmes como Dolce... (1999), sobre o falecido escritor japonês Toshio Shimao e sua viúva, Miho, e também em A Pedra (1992) - em que ele imagina uma volta à vida do escritor e dramaturgo Anton Chekhov (Leonid Mozgovoy), em sua antiga casa, hoje um museu, em Yalta.

Teatros:http://www.teatro-cornucopia.pt/htmls/home.shtml
da Cornucópia Bairro Alto


O Teatro da Cornucópia foi fundado em 1973 por Jorge Silva Melo e Luís Miguel Cintra, vindos do teatro universitário, que reuniram em torno do seu projecto de companhia de teatro um pequeno grupo de actores profissionais. Até ao 25 de Abril de 1974 trabalhou sem sede própria e foi apoiado por subsídios esporádicos da Fundação Calouste Gulbenkian. O programa inicial, condicionado pela censura fascista, centrava-se no reportório clássico (Molière e Marivaux). A partir de 1974 centrou-se na dramaturgia contemporânea com a intenção de construir um teatro de reflexão com uma função activa na realidade cultural portuguesa. Num primeiro ciclo temático (pequena burguesia-revolução-dominação ideológica) levou à cena Terror e Miséria no Terceiro Reich de Brecht, Pequenos Burgueses de Gorki, Ah Q de Jean Jourdheuil e Bernard Chartreux, Casimiro e Carolina de Odon Von Horváth, Woyzeck de Büchner, Alta Austria e Música Para Si de Kroetz e O Treino do Campeão Antes da Corrida de Michel Deutsch. Foi nessa fase que a companhia teve a colaboração dramatúrgica de Jean Jourdheuil e que nele ingressou a cenógrafa Cristina Reis que, a partir de 1980, com a saída de Jorge Silva Melo, viria a partilhar a direcção com Luis Miguel Cintra.

Muitas vezes a companhia tem criado ciclos temáticos como propostas de reflexão. Assim dedicou ao cómico e à comédia um ciclo em que incluiu um espectáculo Karl Valentin, um espectáculo Plauto, Capitão Schelle, Capitão Eçço de Rezvani, O Labirinto de Creta de António José da Silva (o Judeu), Não se Paga, Não se Paga de Dario Fo. A partir de 1983 com o espectáculo Oratória (montagem de textos de Gil Vicente, Goethe e Brecht) a companhia centra o seu reportório num tema a que chamou “O Mal Estar do Nosso Tempo” onde incluiu Mariana Espera Casamento de Jean Paul Wenzel e Novas Perspectivas de Xaver Kroetz, A Missão de Heiner Müller e O Parque de Botho Strauss. Apesar de menos organizada em ciclos temáticos, é uma tendência eminentemente reflexiva e poética que se vai acentuando na programação posterior a 1985 com espectáculos como Ricardo III de Shakespeare, um ciclo de 3 espectáculos de Strindberg ou a Trilogia da Guerra de Edward Bond. A reflexão sobre diferentes temas acabou por estender-se ao próprio teatro como representação da vida. Assim a companhia dedicou a esse tema um ciclo em que incluiu, O Público de Garcia Lorca, Céu de Papel (montagem de textos de Pirandello e Beckett), Salada (uma colagem de números tradicionais de palhaços) e Um Poeta Afinado de Manoel de Figueiredo.

O Teatro da Cornucópia tem levado à cena alguns dos grandes clássicos de todos os tempos (Gil Vicente, Shakespeare, Wycherley, Tchekov, Strindberg, Beaumarchais, Lenz, Hölderlin, Kleist), e tem abordado textos de muitos géneros mas a sua orientação não é a de uma companhia de reportório. Pretende intervir culturalmente na sociedade portuguesa e não abdicar do teatro como terreno privilegiado da criação artística e grande instrumento de pensamento das sociedades. A programação recente tentou conservar o carácter mais experimental do seu trabalho. Desde 1990 abordou alguns dos dramaturgos de escrita mais radical do século XX (Beckett, Orton, Botho Strauss, P. Handke, Edward Bond, Genet, Gertrude Stein, Lars Nóren, Brecht, Pasolini, Fassbinder). A propósito da queda do regime comunista nos países de Leste, em 1992 voltou a Heiner Müller de quem fez nova encenação de A Missão e Mauser. Fez a estreia mundial de dois textos: O Colar de Sophia de Mello Breyner Andresen em 2002 e A Cadeira de Edward Bond em 2005. Elaborou vários espectáculos a partir textos não teatrais: de Raul Brandão, a Primavera Negra; de Francisco de Holanda, Diálogos sobre a Pintura na Cidade de Roma; o poema A Margem da Alegria de Ruy Belo. Convidou encenadores estrangeiros: Stephan Stroux, Christine Laurent, Brigitte Jaques; produziu e co-produziu espectáculos de jovens encenadores (Miguel Guilherme, José Meireles, António Pires, José Wallenstein, Ricardo Aibéo) e um espectáculo de novíssimos actores (O Dia de Marte).

A partir de 1974 o Teatro da Cornucópia tem vindo a ser regularmente subsidiado pelo Estado e tem recebido apoios pontuais da Fundação Gulbenkian e de várias entidades como o Instituto Alemão, o British Council, a Embaixada de Espanha, a Embaixada da Suécia, a Comissão Nacional para as Comemorações dos Descobrimentos Portugueses, o Instituto Camões, o Inatel, a Câmara Municipal de Lisboa, etc.

Desde 1975 que a companhia trabalha no Teatro do Bairro Alto, antigo Centro de Amadores de Ballet, espaço que por intervenção de João de Freitas Branco lhe foi cedido pela Secretaria de Estado da Cultura. Em 1986/7 o edifício sofreu obras de melhoramento o que o tornou num espaço privilegiado para todo o género de espectáculos. Este local de trabalho tem permitido à companhia uma permanente experimentação de espaços cénicos, uma inversão da relação tradicional do palco com a plateia, o que dificulta, por outro lado, a adaptação dos seus cenários a outros palcos. Apesar disso, o Teatro da Cornucópia não tem deixado de fazer digressões a outras cidades do país e tem apresentado regularmente os seus espectáculos fora de Lisboa.

Em 1984 participou no XXXII Festival Internacional de Teatro da Bienal de Veneza com A Missão de Heiner Müller.

Em 1991 apresentou no Théâtre Varia de Bruxelas Comédia de Rubena de Gil Vicente integrado na Europália9l dedicada a Portugal e no mesmo ano apresentou esse espectáculo em Udine (Itália) integrado na organização L'École des Maîtres.
Em 1994 viu dois dos seus espectáculos integrados na programação de Lisboa94, Capital Europeia da Cultura.
Em 1995 apresentou o Triunfo do Inverno de Gil Vicente no Théâtre de la Commune-Pandora, Aubervilliers (Paris).
Em 1998 participa no Festival dos 100 Dias da Expo'98 com um projecto (Teatro do Mundo - Teatro do Eu) que marca os seus 25 anos de actividade e em que volta a três autores do nosso século já abordados em espectáculos anteriores da companhia: Strindgberg (Um Sonho), Garcia Lorca (Quando Passarem Cinco Anos) e Heiner Müller (Máquina Hamlet).
Tem estabelecido nos últimos anos co-produções com o Teatro Nacional S. João, Teatro Nacional D. Maria II, Teatro Nacional S. Carlos, Culturporto/Rivoli Teatro Municipal, e Teatro Municipal de Almada e São Luiz Teatro Municipal. Por várias vezes se integrou no Festival de Almada.

Para além da apresentação normal dos seus espectáculos, o Teatro da Cornucópia procura dinamizar o seu espaço com outras actividades. A companhia tem acolhido nas suas instalações espectáculos de outros grupos e tem realizado inúmeras actividades paralelas (apresentação de livros, conferências, uma semana dedicada à criança, cursos de técnica básica para actores, colóquios, exposições, leituras de textos, etc.). Para cada espectáculo a companhia publica um volume de textos-de-apoio com uma antologia desenvolvida de textos que podem completar a compreensão de cada encenação.

Realizou ainda para a televisão, em co-produção com o Grupo Zero, a filmagem de Música Para Si, Viagem Para a Felicidade e Novas Perspectivas de Kroetz e E Não Se Pode Exterminá-lo? de Karl Valentin com realização de Solveig Nordlund. Fez a produção do espectáculo A Morte do Príncipe com Luis Miguel Cintra e Maria de Medeiros, a partir de textos de Fernando Pessoa, para o Festival de Avignon de 1988 e o Festival de Outono de Paris de 1989. Apresentou no Teatro do Bairro Alto em 1990, em colaboração com a RTP o espectáculo de ópera Façade/O Urso de William Walton, com direcção musical de João Paulo Santos e filmado por Oliveira Costa. No ano 2000 realizou outro espectáculo de ópera em co-produção com a Culturporto/Rivoli Teatro Municipal, o Teatro Nacional S. Carlos e a Orquestra Nacional do Porto, também com direcção musical de João Paulo Santos: The English Cat de Hans Werner Henze/Edward Bond. Com o mesmo maestro levou à cena em 2002 História do Soldado de Stravinsky/Ramuz. Colaborou com o Teatro Nacional de S. Carlos em 2003 na apresentação da oratória cénica de Honnegger-Claudel Jeanne d’Arc au Bûcher.
A FLORESTA de Aleksandr Ostróvski
Uma das comédias mais importantes daquele que tem sido chamado o fundador do teatro russo. Escrita em 1871, A Floresta, traça com delicado humor o retrato de um grupo de personagens numa herdade russa do fim do século XIX, as suas relações, os seus anseios, a sua ignorância, as suas insatisfações, o seu mau viver. Tudo gira em torno da tensão entre o dinheiro e a felicidade. Os ricos não conseguem ser felizes com o seu dinheiro. Os pobres não são felizes porque o não conseguem ter. A proprietária, viúva rica e aparentemente virtuosa, vai vendendo talhões da sua floresta a um mujique enriquecido que lhe corta as árvores para aproveitar a madeira, e guarda o dinheiro para os prazeres com que sonha. Impede a alegria dos que a rodeiam, seus criados e protegidos. Dois actores ambulantes chegam um dia à herdade e vêm perturbar este equilíbrio. Esses, os artistas, têm a ilusão de poderem ser felizes sem dinheiro. Geram-se mais desencontros que encontros em divertidas situações que têm tanto de real como de teatral. Considerada habitualmente como uma "comédia de costumes", a obra tem uma qualidade poética que chega a lembrar Shakespeare na sua capacidade para pôr em cena a vida verdadeira sem nunca "moralizar", para entender os seres humanos nas suas pobres contradições.


Teatro Aberto

Georg Büchner (1813-1837), singular dramaturgo alemão, autor das peças “Woyzeck”, “A Morte de Danton” e “Leôncio e Lena” e da novela “Lenz”, morreu precocemente com 23 anos de idade, vítima de tifo. Foi um dos adolescentes geniais de vida curta, filho único da poesia, ao lado de Lautréamont e de Rimbaud. A obra de Büchner, tão preciosa quanto escassa, só foi reconhecida e dada a conhecer quase cem anos após a morte do autor. Hoje é considerado, dentro do teatro universal, um génio, um visionário, um percursor do teatro moderno e de várias tendências que se afirmaram no século XX: o Expressionismo, o Teatro Existêncialista, o Teatro do Absurdo, etc. É citado como referência estética tanto por Bertolt Brecht, como por Antonin Artaud (correntes opostas, porém unânimes em apontar a importância de Büchner).

Com uma escrita inovadora, altamente poética e politizada, Büchner utiliza em “Leôncio e Lena” a estética do Romantismo para, servindo-se dos seus recursos, a criticar. Utiliza um enredo romântico para fazer uma denúncia demolidora e satírica contra a falta de espírito público e a tirania absurda dos reis, dos governantes. Nesta obra-prima que é “Leôncio e Lena”, anterior a "Rei Ubu" de Alfred Jarry (tão moderna quanto sua sucessora), Büchner criou aquilo que cem anos após ter sido escrita, Artaud viria a chamar de “realidade poética”.

O príncipe Leôncio vive entediado no reino de Pupu. O rei Pedro, seu pai, decide que o seu herdeiro deve casar-se com a princesa Lena do reino de Pipi e marca o dia do casamento. Leôncio não concorda com a arbitrariedade desta decisão e, com o apoio do seu fiel amigo Valério – uma espécie de vagabundo filósofo – foge para Itália em busca do amor ideal.
No reino de Pipi, a princesa Lena, outro infeliz fantoche do Poder, decide também fugir, pois não admite casar-se com um desconhecido. Os dois príncipes encontram-se casualmente e, desconhecendo por completo as suas verdadeiras identidades, acabam por apaixonar-se.
Entretanto, no dia do casamento, instala-se um alvoroço no reino de Pupu com a descoberta da fuga do príncipe. Mas o criativo e delirante Valério tem uma ideia: cria uma encenação para o Rei, convencendo-o de que para fazer valer a palavra real não é preciso casar concretamente os dois príncipes, basta uma cerimónia simbólica onde os noivos sejam representados por dois ‘bonecos’, que efectivamente são os dois príncipes mascarados. A cerimónia é realizada e depois de oficializado o matrimónio os dois ‘fantoches’ tiram as máscaras e é-lhes revelada a sua identidade.

A contemporaneidade e a intemporalidade da peça afirmam-se, de modo delicado e ao mesmo tempo cirúrgico e contundente, na forma como nela são abordados os temas do amor, do tédio e do Poder. Com um forte cunho filosófico, esta obra (“comédia niilista”, segundo alguns teóricos), que afirma o grande fatalismo da condição humana, é uma comédia dialecticamente trágica: apesar de, tanto Leôncio como Lena, procurarem o caminho da redenção e da independência, quis o destino que eles se encontrassem por acaso e se apaixonassem, sem saberem quem são realmente.

Contrastando sua opinião depreciativa sobre o poder e os poderosos, Sokúrov nunca deixa de evidenciar o alto conceito que alimenta a respeito da permanência e da transcendência da arte. Assim, em vários de seus filmes o diretor busca inspiração na literatura e no teatro. Em Dolorosa Indiferença (1983), o protagonista é um membro da inteligência britânica saído diretamente das páginas de uma peça de Bernard Shaw (Heartbreak House). Em Salvai e Protegei (1989), a heroína é ninguém menos do que Emma Bovary, a trágica personagem do romance Madame Bovary, do francês Gustave Flaubert. Além disso, é impossível não enxergar na composição elegante de seus planos uma vasta cultura sobre a pintura de várias eras.
Muitas vezes tido como um obcecado pela forma, o cineasta russo identifica-se com a procura de uma nova linguagem, um objetivo que ficou muito visível em Arca Russa (2002) - filmado num único plano-seqüência de 99 minutos, sem cortes. Para conseguir esta proeza, o cineasta teve de fazer um longo planejamento prévio da imagem, da luz, dos cenários, dos figurinos, do som e de cada mínimo detalhe, já que filmaria sem interrupções. Usando câmera digital, ele conduz dois personagens pelos diversos salões do magnífico museu Hermitage, a residência imperial dos czares russos, em São Petersburgo. Neste fantástico passeio no tempo e no espaço, desdobram-se vários momentos da história russa, entre o czarismo e a era moderna.
Em seu mais recente trabalho, Pai e Filho - participante da competição oficial do Festival de Cannes/2003 - Sokúrov voltou a uma pretendida trilogia sobre as relações familiares. O filme é o segundo exemplar da série. O primeiro foi Mãe e Filho (1996). No Festival de Cannes, Pai e Filho suscitou alguma polêmica, já que as cenas de intimidade entre os protagonistas (Andrej Shetinin e Alexei Nejmyshev), que têm muito pouca diferença de idade, levantaram dúvidas se não haveria ali certa dose de homoerotismo - uma sugestão que escandalizou o diretor russo. "Na Rússia, seria muito difícil um espectador fazer esse tipo de associação", indignou-se. "As relações ternas (entre pais e filhos) devem ser a regra. Qualquer tentativa de distanciar uns dos outros é um crime", defendeu Sokúrov na coletiva de imprensa de Cannes, em maio de 2003.
Uma das raras chances de acesso à obra deste cineasta no Brasil foi na 26ª Mostra BR de Cinema - Mostra Internacional de Cinema São Paulo, em 2002, que apresentou uma retrospectiva integral de sua obra. O diretor interrompeu as filmagens de Pai e Filho, que naquele momento ocorriam em Lisboa, para abrir esta retrospectiva, visitando São Paulo, em outubro do ano passado.
Cineweb-17/6/2003